Всеобщая история искусств и культуры

18 января 1573 года родился Амброзиус БОСХАРТ Старший (в Антверпене), знаменитый фламандский художник «золотого века» нидерландской живописи, ставший родоначальником цветочного натюрморта в Голландии. Эти натюрморты выполнены им в сочной цветовой гамме. * * * * * Свою карьеру начал в 1588 году в Антверпене, в дальнейшем работал в Мидделбурге, затем в Утрехте и в Бреде. Он относится к числу первых художников, утвердивших цветочный натюрморт в качестве самостоятельного жанра нидерландского искусства. Точность изображения и гармоничность цветов позволяют ставить работы Босхарта в один ряд с его современником Яном Брейгелем Старшим. На полотнах Амброзиуса Босхарта рядом с букетами цветов зачастую изображены бабочки или ракушки. Во многих случаях цветы тронуты увяданием, что вводит в полотна художника аллегорический мотив бренности бытия. Художественное направление мастера продолжили развивать три его сына и зять. Их произведения весьма многочисленны и неизменно пользуются спросом на художественных аукционах. Скончался Амброзиус БОСХАРТ Старший в 1621 году в Гааге. Все события или #Ваш_День_Рождения_18_января #

17 января 1830 года родился Блез Александр ДЕГОФФ (в Париже), французский художник, виртуозно владевший техникой написания натюрморта; племянник живописца Александра Дегоффа. Специализировался на придирчиво законченных картинах натюрморта, посвятил себя живописи исключительно неодушевленных предметов – металлических и деревянных, а также ювелирных изделий, стеклянных сосудов, ковров, всякого рода тканей и т.п. * * * * * Художественное образование получил в Парижском училище изящных искусств, в дальнейшем работал под руководством И. Фландрена и Бугеро. После обучения исторической живописи, Блез Александр Дегофф впервые экспонировался в Салоне в 1854 году, неоднократно награждался во время участия в выставках. Большинство его работ 1860-х годов включают в свою композицию предметы из коллекции Лувра XVI века. Это вазы из агата, яшмы и горного хрусталя, золотая и серебряная посуда, а также статуэтки, которые взяты из галереи Аполлона и комнаты Ришелье. В 1870-х годах Дегофф добавил к ним китайские, японские и греческие вещицы, угождая вкусам покупателей. В отношении красивой группировки подобных предметов, а еще больше в отношении рельефности и правдивости их воспроизведения художник почти не имеет соперника между современными живописцами «мёртвой природы» не только во Франции, но и во всей Европе. Критики часто сравнивали Дегоффа с великими голландскими мастерами XVII века Виллемом Кальфом и Питером Класом. Сам художник оказал большое влияние на развитие натюрмортной живописи во Франции и США, в частности на Уильяма Чейза и Уильяма Харнетта. В 1878 году он стал Кавалером Ордена почетного легиона. Скончался Блез Александр ДЕГОФФ 2 мая 1901 года в Париже. Все события или #Ваш_День_Рождения_17_января #

15 января В 1793 году родился Фердинанд Георг ВАЛЬДМЮЛЛЕР (в Вене), один из наиболее известных австрийских художников первой половины XIX века. Известен как своими пейзажами, так и работами в портретной и жанровой живописи. Творческое наследие Вальдмюллера охватывает около 1200 картин. * * * * * Будучи единственным ребенком в семье, он в возрасте 14 лет, вопреки желанию матери, покинул дом, чтобы поступить в венскую Академию изобразительных искусств. На жизнь зарабатывал портретами-миниатюрами, а в 1811 году получил должность учителя рисования в доме графа Гюлая в Загребе. Здесь он познакомился со своей первой женой певицей придворной оперы, Катариной Вайднер. Первые годы жизни молодые супруги много путешествовали: супруга с гастролями, а Фердинанд Георг в качестве оформителя театральных декораций. Вальдмюллер брал уроки живописи маслом у Йозефа Ланге, дополнительно занимался пейзажем под началом Иоганна Непомука Шёдльбергера, совершил несколько учебных поездок в Италию. С 1822 года работы художника начинают экспонироваться на выставках в Академии художеств, сначала портреты, а затем и жанровые полотна. Вскоре он увлекся природой и начал писать пейзажи. Начиная с 1825 года, Вальлмюллер постоянно ездил в Италию, где находил вдохновение в итальянских пейзажах. Постепенно к художнику приходит успех, в 1829 году он получил должность хранителя картинной галереи в Академии и звание профессора, а в 1835 году звание советника Академии. Однако в 1846 году разразился скандал: Фердинанд Георг Вальдмюллер опубликовал критические статьи в адрес Академии и устаревших методов обучения, применявшихся в ней, за что был исключен из этого заведения и лишен всех званий. Некоторое время художник находился в сложной моральной и финансовой ситуации, но уже в 1856 году к нему возвращается былая популярность. Благодаря экспозиции в Букингемском дворце, а также кёльнской выставке и лондонской международной выставке имя Вальдмюллера возвращается в ряды крупнейших мастеров европейской живописи средины XIX столетия. Он стал ведущим мастером во всех фундаментальных дисциплинах: из-под его кисти выходили одинаково великолепные портреты, пейзажи, жанровые сцены и натюрморты. Но, не смотря на растущее признание его произведений в Австрии и по всему миру, его финансовое состояние было весьма неважным. Скончался Фердинанд Георг ВАЛЬДМЮЛЛЕР 23 августа 1865 года в Хинтербрюле (близ Мёдлинга), похоронен на католическом кладбище Мацляйнсдорф. В 1932 году и к 100-летию со дня смерти Вальдмюллера (1965) были выпущены специальные почтовые марки Австрии. Все события или #Ваш_День_Рождения_15_января #В__

14 января В 1834 году родился Пётр Петрович ВЕРЕЩАГИН (в Перми), русский художник, академик пейзажной живописи, вошёл в историю в качестве первого художника-пейзажиста Среднего Урала. Брат Василия Петровича Верещагина. * * * * * Первоначальное художественное образование он, подобно брату Василию, получил в семье и также продолжил своё образование в Петербургской Академии художеств. Избрав своей специальностью ландшафтную живопись, Пётр обучался в классе пейзажа у С. Воробьева, известного ландшафтного живописца, много лет прожившего в Италии. Его уроки оказали сильное влияние на Верещагина. После окончания Академии он преподавал рисование, черчение и чистописание в городе Люцин Виленской губернии. В 1868 году за картины «Толкучий рынок в Москве» и «Вид Кремля» получил звание классного художника 1-й степени. В 1870 году Пётр Верещагин оставил преподавание и полностью посвятил себя творчеству. В этот период он много путешествовал. Зимой 1873-74 годов художник создал серию из 40 этюдов с видами Кавказа. По поручению Товарищества Уральской горнозаводской железной дороги живописец в 1875-76 годах написал серию этюдов на реке Чусовой и в других местах Урала вдоль строившейся здесь железной дороги. В нескольких произведениях зафиксировано строительство самой железнодорожной линии. Во время русско-турецкой войны 1877-78 годов художник находился с русскими войсками на Балканах и запечатлел пройденные ими города и местности, создал серию дунайских пейзажей. В период 1870-80-х годов он снова обратился к архитектуре северной столицы и написал несколько видов Петербурга. Тогда же им были созданы и многочисленные виды Москвы, Киева, Нижнего Новгорода, Перми, Тифлиса, Баку, Пскова, Владимира, Казани, Выборга и других русских городов. Скончался Пётр Петрович Верещагин 16 января 1886 года в Перми. Все события или #Ваш_День_Рождения_14_января #В__

ТРАДИЦИИ ИЗОБРАЖЕНИЯ РОЖДЕСТВА В ИСКУССТВЕ СРЕДНЕВЕКОВЬЯ И ВОЗРОЖДЕНИЯ Западное искусство переняло многие византийские иконографические элементы. В византийском искусстве часто было принято изображение мадонны лежащей. В готический период, на севере раньше, чем в Италии, между матерью и ребенком развивается всё большая близость, и Мария начинает держать своего ребёнка, или он смотрит на неё. На изображение в позднесредневековой Северной Европе часто влияло видение Рождества святой Бриджит Шведской (1303-1373), очень популярного мистика. Незадолго до своей смерти она описала видение младенца Иисуса, лежащего на земле и излучающего свет, и описывает Деву Марию как светловолосую; многие художники уменьшали другие источники света в сцене, чтобы подчеркнуть этот эффект, и Рождество очень часто оставалось подчёркнутым светотенью вплоть до эпохи барокко. Другие детали, такие как единственная свеча, "прикрепленная к стене", и присутствие Бога Отца наверху, также взяты из видения Бриджит: "... Дева преклонила колени с великим почтением в молитвенной позе, повернувшись спиной к яслям.... И пока она стояла так в молитве, я увидела, как ребёнок в её утробе зашевелился, и внезапно в одно мгновение она родила своего сына, от которого исходил такой невыразимый свет и великолепие, что солнце не могло сравниться с ним, и свеча, которую поставил туда святой Иосиф, не давала света. Божественный свет полностью затмил материальный свет свечи и любой свет вообще.... Я увидела великого младенца, лежащего на земле, обнажённого и сияющего. Его тело было чистым от любой грязи и нечистоты. Затем я услышала и пение ангелов, которое было полно чудесной сладости и великой красоты..." После этого Дева преклоняет колени, чтобы помолиться своему ребёнку, к ней присоединяется святой Иосиф, и этот сюжет (технически известный как "Поклонение Христу" или "Младенцу") становится одним из самых распространённых изображений в 15 веке, в значительной степени заменяя лежащую Деву на Западе. Версии этого изображения встречаются ещё в 1300 году, задолго до видения Бриджит, и имеют францисканское происхождение. Святой Иосиф, традиционно считающийся стариком, часто изображается спящим в рождественских обрядах и стал несколько комической фигурой, дружелюбной, но несколько неспособной, хотя иногда он показан готовящим пелёнки для ребёнка или разжигающим огонь. Культ Святого Иосифа всё больше распространялся в позднем Средневековье на Западе, францисканцами и другими. Его праздник был добавлен в римский требник лишь в 1479 году. К 15 веку он часто выглядит более достойно, и это улучшение продолжалось в эпоху Возрождения и барокко, пока возрождение марианского акцента в 17 веке снова не оставляет его на задворках рождественских композиций. Свеча, зажжённая святым Иосифом в видении Бриджит, становится атрибутом, которую он часто держит, зажжённой или незажжённой, средь бела дня. В полностью иллюстрированный часослов обычно включались страницы, иллюстрирующие все четыре сюжета - Рождество, Знамение пастухам, Поклонение волхвов и Бегство в Египет (и /или избиение невинных), как часть восьми изображений в последовательности Часов Рождества. Изображения Рождества Христова стали всё более популярными в панно в 15 веке, хотя на алтарях Святому Семейству часто приходилось делить пространство изображения с портретами покровителей. В ранней нидерландской живописи обычный простой сарай, мало изменившийся с поздней античности, превратился в сложный разрушенный храм, первоначально романский по стилю, который представлял собой ветхий Завет еврейского закона. Использование романской архитектуры для обозначения скорее еврейской, чем христианской обстановки является характерной чертой картин Яна ван Эйка и его последователей. В итальянских произведениях архитектура таких храмов стала классической, отражая растущий интерес к древнему миру. Дополнительная отсылка к этим храмам была связана с легендой, описанной в популярном сборнике "Золотые легенды", что в ночь рождения Христа базилика Максенция в Риме, где должна была находиться статуя Ромула, частично обрушилась, оставив впечатляющие руины, которые сохранились до наших дней. Символика руин в картинах "Рождество" и "Поклонение волхвов" впервые появилась в раннем нидерландском искусстве примерно в середине пятнадцатого века в ярко выраженном романском стиле. Ранние нидерландские художники начали ассоциировать этот стиль с архитектурой Святой Земли, в отличие от расплывчатого ориентализма более ранних изображений. В этом контексте романские здания представляли чужую, старую эпоху еврейского и / или языческого мира, противоположную родному готическому стилю того периода. Этот контраст между двумя хронологическими периодами – готическим и романским – заменил более ранний контраст между географическими сферами – Западной и Восточной. Основная идея руин на этих картинах заключается в том, что древние здания должны были быть разрушены, чтобы христианство восторжествовало. Действительно, включение руин идеально подходило для образов "Рождества" и "Поклонения волхвов". Рождение Христа, представленное в "Рождестве", означает рождение христианства, новой эры, которая пришла с "разрушением" старых эпох иудаизма и язычества. После этого "Поклонение волхвов" означает распространение и принятие христианства по всему миру, причем каждый из трёх королей представляет один из трёх континентов, известных в то время. Таким образом, разрушенные здания символизируют "падение неверия и спасение верующих через основание Христом своей церкви". Однако Рождество и рождение Христа не означают полного отказа от старого. Несмотря на то, что еврейский народ не признаёт Христа своим Спасителем, христианство верит, что израильтяне пророчествовали о пришествии Христа на протяжении всего Ветхого Завета. Этот парадокс оставался неразрешенным в средние века, когда отношения между иудаизмом и христианством были очень двойственными. Эта двойственность была решена ранними нидерландскими художниками, которые начали использовать романский стиль, а затем символику руин, которые выражают продолжение между Ветхим и Новым Заветом. В конечном счёте, рождение Христа под романскими руинами передает гармонию и примирение настоящего с прошлым. Таким образом, Рождество символизирует "стык между эпохой пророчества и эпохой исполнения". Символика руин в картинах "Рождество" и "Поклонение волхвов" вскоре была перенята художниками итальянского Возрождения, которые начали рисовать руины классических зданий, а не романских. Та же идея преемственности между Ветхим и Новым Заветом присутствует и в работах итальянских художников, но здесь есть дополнительный усложняющий фактор: гуманистический идеал эпохи Возрождения. Предполагалось, что художники должны были изображать победу христианства над язычеством, то есть античным миром, несмотря на то, что они жили во времена античного возрождения. Поэтому, несмотря на то, что здания, изображенные итальянскими художниками, были разрушены, они все же сохранили "полное величие классического содержания". Целью художников эпохи Возрождения было переосмысление постсредневековых отношений между античностью и христианством. Таким образом, для итальянских художников того периода Рождество и, следовательно, рождение Христа слились с "собственным представлением своей эпохи как эпохи Возрождения". Образы "Рождества" и "Поклонения волхвов" в эпоху итальянского Возрождения были свидетельством исторического сознания, в котором руины служили документами славного языческого прошлого. Начиная с 15-го века Поклонение волхвов становилось всё более распространённым изображением в искусстве, чем само Рождество, отчасти из-за того, что сюжет изобиловал множеством живописных деталей и богатой цветовой гаммой, а отчасти из-за того, что картины становились по размеру больше, оставляя больше места для более насыщенного сюжета. Начиная с позднего Средневековья эта сцена больше ассоциируется с Поклонением пастухов, хотя со времён поздней античности их иногда показывали вместе. На Западе у Волхвов появились большие экзотически одетые свиты, которые иногда угрожают захватить композицию ко времени Возрождения; несомненно, в некоторых примерах наблюдается потеря концентрации на религиозном значении сцен, особенно во Флоренции 15-го века, где большие светские картины всё ещё были значительной новизной. Большая и знаменитая настенная роспись Процессии волхвов в часовне Волхвов Палаццо Медичи, написанная Беноццо Гоццоли в 1459-1461 годах и полная портретов семьи Медичи, раскрывает религиозную тему только благодаря расположению в часовне и заявленному названию. Практически нет указаний на то, что эта тема содержится в самой работе, хотя алтарным изображением для часовни было "Поклонение в лесу" (или "Мистическое рождество") Филиппо Липпи. Начиная с 16-го века картины, изображающие только Святое Семейство, стали явным меньшинством. Композиции, как и в случае с большинством религиозных сцен, стали всё более разнообразными, поскольку художественная оригинальность стала цениться выше, чем иконографическая традиция.